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salud  Muerte de la Virgen (Caravaggio) 


Es una obra próxima en el tiempo a la Madonna con el pequeño y santa Ana (Dei Palafrenieri), en la actualidad en la Galería Borghese. Le fue encargada por Laerzio Cherubini, un letrado papal, para su capilla en la iglesia carmelita de santa Maria de ella Scala, en el Trastevere, Roma, en mil seiscientos uno.


Esta pintura no pudo estar terminada ya antes de mil seiscientos cinco-mil seiscientos seis. La representación de la Virgen María ocasionó cierto escándalo, y fue rechazada como inapropiada para la parroquia, que en su sitio puso un cuadro sobre exactamente el mismo tema efectuado por Carlo Saraceni. Por lo tanto, y por recomendación de Pedro Pablo Rubens, que la encomió como de las mejores obras de Caravaggio, el cuadro fue comprado por el duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga, por trescientos ducados. Ya antes de desamparar Roma, esta obra fue expuesta en la Accademia di San Luca.


Después de pertenecer a los Gonzaga, fue adquirida por Carlos I de Inglaterra y, tras la venta de su almoneda, pasó al banquero Everhard Jabach y, a través de adquisición en mil seiscientos setenta y uno, al rey Luis XIV de Francia.


Es un cuadro de importante tamaño representando la muerte de la Virgen María. Era un tema debatido y no resuelto por la doctrina católica. Este cuadro se efectuó en un tiempo en que el dogma de la Asunción de María no se había enunciado formalmente ex- cátedra por el papa. Si bien su asunción en cuerpo y ánima sea un dogma, no hay patentiza reportaje con relación a la muerte de la Virgen. De qué forma murió no es un dogma. Ciertos imaginaron una dormición artículo-mortem como un instante en el que Dios resucitó su cuerpo no pútrido y lo llevó al cielo. Otros apuntaron que no sintió dolor ni enfermedad, ni temor por la muerte, puesto que murió sin pecado, y que fue asumpta en cuerpo sano y ánima ya antes de la muerte.


La pintura recuerda al Entierro de Cristo en el Vaticano en lo que se refiere a su tamaño, sobriedad y el naturalismo fotográfico. Su naturalismo es propio de la Contrarreforma.


Las figuras prácticamente tienen tamaño real. El centro de atención del cuadro es la figura de la Virgen María, representada de forma muy semejante a una mujer del pueblo, sin atributos místicos, evidenciándose su santidad solo en el halo. Por otra parte, la María de Caravaggio sí está muerta; sus pies, hinchados. No hay una nube de querubes llevándola al cielo como hizo una década ya antes Carracci en la Capilla Cerasi. No representa una asunción sino más bien su muerte, con la mano apuntando al suelo. Si sintió dolor o bien no es una cosa que no se sabe, mas está claro que es víctima de una enfermedad. Sus contemporáneos acusaron a Caravaggio de utilizar como modelo de la Virgen a una puta.


Alrededor de la Virgen se hallan María Magdalena y los Apóstoles. En primer plano, María Magdalena llora sentada en una simple silla, con la cabeza entre las manos. Los Apóstoles, a su alrededor, asimismo se muestran apenados, mas no a través de expresiones extremadamente emotivas, sino más bien escondiendo los semblantes. Caravaggio, profesor de los cuadros oscuros y tenebristas, no está interesado en un ejercicio manierista que capte la pluralidad de emociones. De alguna manera este es un dolor sigiloso, no una llamada a los plañideros. Los gemidos discurren en un silencio sensible sin semblante. El hombre mayor a la izquierda puede ser san Pedro, y el que se arrodilla, a su lado, quizás sea Juan el Evangelista.


La escena transcurre en un entorno humilde. Los colores son oscurísimos, con los únicos toques lumínicos del colorado de la ropa de la fallecida y un enorme telón colorado que pende por la parte superior del cuadro, motivo frecuente en un cuadro lúgubre. Es casi el único elemento de una escenografía pobre.


Nada hay en este cuadro que revele la naturaleza sagrada de su tema. Su tratamiento es naturalista, aun brutal y de gran crueldad, lo que motivó su rechazo. Para entender el cuadro se debe tener muy presente que Caravaggio estaba cercano a las situaciones pauperísticas de muchos movimientos religiosos contemporáneos, como los Oratorianos, sus variaciones iconográficas fueron efectuadas teniendo presente las demandas devocionales de estos movimientos: la Virgen es retratada como una joven, por el hecho de que representa metafóricamente la Iglesia inmortal, al paso que el vientre hinchado, representa la gracia divina de la que está "encinta". Ciertos consideran inapropiado este último particular, nace la historia de leyenda de que el artista se inspiró en una puta ahogada en el río Tíber.


Se trata de una obra trascendental en la historia de la pintura. El tema sagrado se ha desposeído de todo manierismo y también irrealidad. Los personajes se representan conforme modelos del natural, personas del pueblo, y se alumbran de forma tenebrista. Representa de forma realista el dolor de la pérdida de un ser querido. En este sentido, se aproxima al tratamiento que pintores de la Reforma como Rembrandt dieron a los temas religiosos.


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